Carrie Mae Weems

Tra il 1978 e il 1984 Weems realizza la sua prima importante raccolta di fotografie, integrata con testi e registrazioni audio, intitolata Family Pictures and Stories. Questa serie, che diventa la sua mostra di laurea nel 1984, nasce come risposta al celebre rapporto Moynihan pubblicato dal governo nel 1965, redatto dall'omonimo senatore americano, che addebitava la presunta disgregazione della vita e delle comunità afroamericane, causa di altri problemi sociali, all'instabilità dei loro legami familiari.^[10]

Ispirate agli scritti dell'autrice e antropologa Zora Neale e alle descrizioni di Harlem fatte da Roy DeCarava nel suo libro con Langston Hughes The Sweet Flypaper of Life, le immagini raccontano la storia e la vita quotidiana della famiglia multigenerazionale di Weems, in un approccio quasi documentaristico ma che nello stesso dà conto dei legami di affetto, di coesione e di supporto reciproco tra i suoi componenti, nel mezzo di una lunga serie di vicende contrassegnate dal razzismo.^[13] Le persone ritratte, definite “Colored People” e dipinte nelle immagini con colori giallo, blu e magenta, vengono usate per esplorare lo spostamento delle famiglie nere dal Sud al Nord degli Stati Uniti e per trattare più ampiamente di razza, classe e migrazione.^[12][4]

Nel 1990 Carrie Mae Weems prosegue la sua profonda esplorazione delle dinamiche di genere, razza e relazioni all'interno dello spazio domestico con una delle sue serie più famose, The Kitchen Table Series, completata tra il 1989 e il 1990 e da lei così presentata: «Uso la mia immagine per mettere in discussione il ruolo della tradizione, la natura della famiglia, la monogamia, la poligamia, le relazioni tra uomini e donne, tra donne e figli e tra donne e donne».^[16]

Costituita da venti fotografie in bianco e nero in stile documentaristico scattate nella sua cucina, intervallate da pannelli di testo, The Kitchen Table mostra l'artista seduta ad un tavolo, illuminato da una singola luce dall'alto, a volte in compagnia di amiche, figlie, o uomini, altre volte da sola. Intorno al tavolo, tradizionalmente percepito come uno spazio domestico femminile, e trasformato in un palcoscenico in cui si svolgono i momenti più significativi della vita e dell'esperienza quotidiana, mette in scena un dramma di amore, perdita e crescita personale. L'opera cattura la vita di una donna comune, ripresa nelle sue relazioni, nei suoi ruoli - amante, madre, capofamiglia, amica - e nei suoi momenti di solitudine.^[17][18]

Gli oggetti presenti nelle scene - come specchi, fotografie di Malcolm X, bicchieri di vino e gabbie per uccelli - funzionano come simboli che arricchiscono la narrazione visiva, suggerendo temi di amore, perdita, autonomia e introspezione.^[19]

L'anno successivo compie il suo primo viaggio nel continente africano, visitando le coste del Ghana e del Senegal, da dove partivano i carichi di schiavi, e sulla via delle antiche città del Mali, restando particolarmente colpita dall'antica architettura di Djenné e dalla capacità degli edifici di suggerire - attraverso una specificità di genere, uno "spazio maschile e femminile".^[21]

In trentatré stampe tinte di rosso Weems rielabora dagherrotipi di schiavi tratti da un archivio storico del XIX secolo e da altre fonti, in gran parte commissionati dal naturalista svizzero Louis Agassiz per sostenere le teorie sull'inferiorità razziale degli africani. Colorando le immagini in tonalità monocromatiche, ingrandendole e incorniciandole in formati circolari che richiamano l'obiettivo di una macchina fotografica, aggiunge didascalie testuali che commentano la brutalità della schiavitù e la rappresentazione razzializzata.

Come voce fuori campo inserisce la frase "From here I saw what happened and I cried" ("Da qui ho visto cosa è successo e ho pianto"). La serie è un'indagine sul ruolo della fotografia nella costruzione e nel perpetuzione del razzismo e degli stereotipi, ed insieme un tentativo di restituire umanità e dignità a soggetti storicamente oggettificati.^[22]

L'esplorazione della rappresentazione femminile e la denuncia dell'esclusione o della sottorappresentazione delle donne nere dal canone estetico, dalle narrazioni artistiche e dai media sono temi che percorrono l'opera di Weems e che fanno da sfondo alla serie presentata nel 1997 Not Manet's Type.

Cinque fotografie quadrate in bianco e nero, montate su una cornice nera rettangolare, mostrano un testo stampato in rosso che allude alle qualità richieste al corpo della modella da parte di alcuni artisti, come Manet, Pablo Picasso, Duchamp.^[23] L'artista/modella ripresa in varie pose, nell'angolo di una camera da letto, davanti allo specchio della toletta o vicino alla finestra, afferma la sua identità e la sua presenza, in uno spazio che storicamente le è stato negato.^[24]

Commissionata per la commemorazione del bicentenario dell'acquisto della Louisiana, The Louisiana Project (2003) è un'opera multimediale che include settanta fotografie, serigrafie e un video. Reinterpretando fatti storici, l'artista riprende se stessa mentre indossa maschere e costumi d'epoca, posizionandosi in vari luoghi emblematici, come piantagioni, binari ferroviari, impianti chimici, per agire come testimone dell'esperienza afroamericana. Utilizza simboli come lo specchio per riflettere sul colonialismo, sull'identità sessuale, sullo stato attuale del paese e sulle gerarchie sociali nel Sud degli Stati Uniti.^[25]

La serie fotografica Roaming, creata quando era borsista presso l'American Academy di Roma, mostra l'artista, vestita con un lungo abito nero e ripresa di spalle, mentre osserva alcuni dei luoghi più emblematici della storia e dell'architettura della capitale italiana, tra cui il Colosseo, la Piramide Cestia, il quartiere dell'EUR e il ghetto ebraico di Roma.

Il progetto Roaming riflette sull'architettura come manifestazione del potere e sull'accessibilità di tali spazi per le persone nere e le donne, fondendo fotografia, performance e critica sociale. Come ha affermato Weems in un'intervista, "l'architettura, nella sua essenza, riguarda molto il potere. Se pensiamo a un luogo come Roma, si percepisce il potere dello Stato in relazione alla popolazione".^[26] Attraverso l'inserimento del proprio corpo in questi contesti, Weems interroga la relazione tra monumenti, storia e soggettività, evidenziando come la narrazione storica spesso escluda determinate presenze.^[9]

La scelta di posizionarsi di spalle enfatizza l'atto contemplativo e invita l'osservatore a condividere lo sguardo dell'artista, anziché concentrarsi sulla sua identità personale. Questa strategia visiva richiama la tradizione romantica del Viandante sul mare di nebbia (1818) di Caspar David Friedrich, reinterpretata in chiave critica e contemporanea.^[27]

Nella serie Museum Series, avviata nel 2006, Weems si fotografa di spalle davanti a celebri musei occidentali, come il British Museum, il Louvre o il Philadelphia Museum of Art, interrogando l'esclusione di razza, genere e classe dalla narrazione storica e dall'accesso al mondo dell'arte, mettendo in discussione le stesse istituzioni che custodiscono il canone culturale.^[28]

In Constructing History (2008), realizzata in occasione del quarantesimo anniversario della morte di Martin Luther King, ricrea eventi storici degli anni sessanta, come l'assassinio di King, di Malcolm X e di JFK, coinvolgendo studenti in tableaux vivants per riflettere sulla memoria collettiva e sulla rappresentazione nell'arte di immagini legate a eventi traumatici.^[29]

Slow Fade to Black (2010)

La serie è un omaggio a icone afroamericane del XX secolo, tra cui Nina Simone, Ella Fitzgerald, Marian Anderson, Dorothy Dandridge, Billie Holiday ed Eartha Kitt, la cui immagine e memoria sono svanite dalla coscienza collettiva. Le immagini sfocate, a simboleggiare l'oblio culturale, evidenziano l'invisibilità storica affrontata dalle donne nere nel mondo dello spettacolo.^[30]

Nel 2013 viene insignita della borsa di studio MacArthur (il "Genius Grant"). L'anno successivo diventa la prima donna afroamericana a ottenere una retrospettiva al Guggenheim Museum di New York.^[31]

Due anni dopo, nel 2016, presenta Grace Notes: Reflections for Now (2016), una performance di recitazione, musica, video e danza per commemorare la tragica morte di nove giovani di colore durante la sparatoria nella chiesa metodista episcopale africana Emanuel di Charleston, nella Carolina del Sud. L'opera, in debutto a pochi isolati dal luogo del massacro, intende riflettere sulla violenza e sul perdono, esplorando il concetto di "grazia" nel contesto dell'oppressione subita dai neri.^[32]

Nel 2017 Weems affronta nuovamente la questione della brutalità della polizia contro gli afroamericani e della violenza all'interno delle comunità nere con i cortometraggi People of a Darker Hue e Imagine If This Were You.^[33]