Lorna Simpson

Dopo il MFA si stabilisce a New York, dove trova un ambiente artistico ricettivo. Il contesto della fotografia concettuale degli anni ottanta è segnato da artiste come Cindy Sherman, Laurie Simmons e Carrie Mae Weems. Quest'ultima la incoraggia a sviluppare una pratica centrata sul rapporto tra immagine, testo e identità razziale e di genere.^[12]

Nella prima mostra personale (Just Above Midtown Gallery, 1986) presenta lavori come Waterbearer (1986), che definiscono il suo linguaggio iniziale: figure femminili nere rappresentate di spalle o in frammenti, accompagnate da testi che destabilizzano la lettura documentaria.^[10][13] Le donne indossano spesso un abito bianco senza maniche che omogeneizza i diversi soggetti e nello stesso tempo ricorda gli abiti in cotone semplice e grezzo indossati dagli schiavi neri nel Sud degli Stati Uniti.^[14][15]

Tra il 1988 e il 1989 Simpson realizza alcune delle opere più citate della sua carriera. Stereo Styles (1988) presenta dieci fotografie della stessa donna afroamericana con acconciature diverse, affiancate ad aggettivi come «sweet», «ageless», «magnetic», «daring»: adottando la retorica della pubblicità per poi sovvertirla, l'opera mette in discussione le proiezioni identitarie imposte dall'esterno alle donne nere.^[16]

Guarded Conditions (1989) allinea sei immagini polaroid di una donna in abito bianco fotografata di spalle: la frammentazione del corpo, la postura difensiva e la ripetizione seriale delle frasi «sex attacks» e «skin attacks», associate dalla critica alle logiche di sorveglianza e classificazione praticate sulle donne nere dal periodo della schiavitù in poi.^[7]

Nello stesso anno Necklines e Untitled (2 Necklines), fotografie circolari del collo di una donna afroamericana accostate a una sequenza di parole («ring», «surround», «noose») e a una targhetta rossa finale che recita "feel the ground sliding from under you" ("senti il terreno scivolare sotto di te"), sono state interpretate come allusioni agli episodi di linciaggio e di violenza razziale.

L'opera Easy for Who to Say, cinque Polaroid a colori che ritraggono una donna nera di spalle, vestita con una semplice tunica biancae il volto oscurato da cinque vocali, accostate a termini come «amnesia» e «omission», tematizza la cancellazione della memoria storica dell'esperienza nera.^[17][18][19]

Nel 1990 Simpson partecipa alla mostra collettiva The Decade Show: Frameworks of Identity in the 1980s, organizzata dal Museum of Contemporary Hispanic Art, dal New Museum of Contemporary Art e dallo Studio Museum in Harlem e nello stesso anno diventa la prima donna afroamericana con una personale al Museum of Modern Art di New York (Projects 23).^[20]

Nel 1993 espone ad Aperto, la sezione di arte emergente alla 45ª Biennale di Venezia del 1993.^[21][22]

In questo periodo Simpson abbandona la carta fotografica e sperimenta la stampa su feltro, mentre la figura umana si riduce o scompare, sostituita da elementi come capelli, parrucche e spazi architettonici.^[23][24]

Con Wigs (1994), serie di ventuno litografie su feltro che ritraggono parrucche di vario tipo - afro, trecce, ciocche sintetiche e bionde - accompagnate da frammenti di testo tratti da un colloquio psicoanalitico e dalla narrazione di fuga di una coppia di schiavi (Running a Thousand Miles for Freedom, 1860), esplora la capigliatura come dispositivo identitario e politico, segnando il passaggio verso una riflessione sull’assenza del corpo.^{[25][26][27][21]}

Dalla fine del decennio estende la propria pratica al video e all'installazione cinematografica. Il primo lavoro in questo medium, Call Waiting (1997), presenta figure anonime in conversazioni telefoniche frammentate, trasferendo al tempo e al suono le strategie di ambiguità e omissione già presenti nelle fotografie.^[28]

Con Corridor (2003), video a due canali interpretato dall'artista Wangechi Mutu, Simpson affianca le attività quotidiane di una domestica del 1860 a quelle di una donna benestante del 1960, mettendo in luce la continuità strutturale tra schiavitù e isolamento domestico attraverso il solo accumulo di gesti ordinari, senza azione esplicita.^[29]

Nel 2007 il Whitney Museum of American Art dedica all'opera di Simpson una retrospettiva ventennale, che si tiene in concomitanza con la mostra Lorna Simpson: Duet allo Studio Museum in Harlem, consolidando la sua reputazione di artista multidisciplinare.^[12]

A partire dal 2009 Simpson introduce l'autoritratto con la serie 1957–2009, nella quale fotografa se stessa riproducendo le pose di modelle afroamericane tratte da riviste del 1957: un confronto temporale che pone in evidenza i canoni estetici che escludevano le donne nere dall'immaginario della bellezza statunitense degli anni cinquanta.^[11]

Dagli anni dieci il collage diventa il medium prevalente: Simpson lavora con immagini ritagliate da numeri d'epoca di Jet ed Ebony, cui sovrappone passaggi pittorici a inchiostro e acquerello che donano alle figure acconciature fantastiche, sfidando la gravità, un gesto che la critica ha interpretato come atto di liberazione nei confronti dei canoni estetici imposti alle donne nere.^[17]

Nello stesso periodo compare nelle sue opere - fotografie, dipinti, sculture in vetro - il motivo del ghiaccio come metafora di fragilità, trasformazione e resistenza.^[30]

La prima retrospettiva europea apre nel 2013 al Jeu de Paume di Parigi, per poi trasferirsi all'Haus der Kunst di Monaco, al BALTIC Centre for Contemporary Art di Gateshead (Inghilterra) e all'Addison Gallery of American Art di Andover (Massachusetts).^[11]

Nel 2015, alla 56ª Biennale di Venezia, Simpson espone per la prima volta come pittrice una serie di opere su larga scala che combinano fotografie manipolate con passaggi di inchiostro e acrilico, tra cui Three figures (2014), True Value (2015), Suspended (2015), Nightmare (2015), opere che fondono la figurazione con l'astrazione, utilizzando immagini d'archivio serigrafate e poi rielaborate con pennellate di colore e inchiostro.^[31] L'artista applica logiche di montaggio fotograficoː taglia, frammenta e ricompone parti del corpo o volti, creando figure surreali che ricordano dei collage stratificati. I soggetti femminili tendono ad essere "nascosti" sotto strati di pittura e inchiostro.

Molte delle sue pitture mantengono una tavolozza ridotta (neri, grigi, blu profondi) che richiama direttamente lo sviluppo fotografico in camera oscura, creando un'atmosfera nebbiosa e mnemonica. Le tematiche centrali riguardano la rappresentazione del corpo nero, l'identità di genere e la natura frammentaria della memoria.^[32][33]

Nel 2019 riceve la Medaglia J. Paul Getty, il massimo riconoscimento del J. Paul Getty Trust, assegnato insieme all'artista Ed Ruscha e alla classicista Mary Beard.^[34]

Nel 2025 il Metropolitan Museum of Art le dedica la mostra Lorna Simpson: Source Notes, incentrata sulla produzione pittorica degli ultimi anni, e una sua opera è inclusa in Photography and the Black Arts Movement, 1955–1985 alla National Gallery of Art di Washington. ^[11]

Nel 2026, la Obama Foundation le commissiona un'opera per l' Obama Presidential Center, Durative, appartenente alla sua serie Ice, che raffigura paesaggi glaciali dipinti sotto un cielo ampio.^[11] Alla Pinault Collection di Venezia viene organizzata la personale Third Person, in partnership con il Metropolitan Museum of Art di New York, dedicata in particolare alla sua produzione pittorica.^[35]

Nello stesso anno Simpson riceve il Meraki Artist Award dell'Institute of Contemporary Art di Boston, premio da 100.000 dollari istituito per riconoscere il lavoro innovativo di artiste donne.^[36]